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Tras casi cuatro meses sin escribir, un año que ha comenzado con el pie izquierdo, cientos de terremotos inesperados e inusuales en esta parte del mundo y ahora una pandemia de salud internacional que amenaza la vida de todos, he decidido poner fin al bloqueo de escritor. ¿Qué mejor que aprovechar una crisis para dar rienda suelta a la creatividad? Para esta entrada de blog, me he inspirado en una película polaca que vi recientemente, estrenada en 2017 y basada en la vida real, que lleva de nombre: El arte de amar. Su protagonista principal es una mujer extraordinaria y su historia de vida, que cuenta así, es igualmente fascinante.

En 1976, en plena era socialista en Polonia, tras luchar contra el poder político y eclesiástico durante 31 años, una ginecóloga y sexóloga de nombre Michalina Wisłocka  (1921-2005) publicó un libro que se convertiría en la primera guía sobre sexualidad y erotismo en países comunistas. El arte del amor (Sztuka kochania) es una guía basada en procurar el placer sexual con el fin de enriquecer las relaciones matrimoniales, tanto para mujeres como para hombres, que se publicó en Polonia mientras se vivía un periodo de enorme represión.

Como mujer vanguardista y liberal, en su vida privada de estudiante, Mishka Wisłocka mantuvo una relación poliamorosa y abierta con un hombre y una mujer, ambos alemanes. Creía en el amor libre y esta relación influiría también en su percepción y manera de trabajar con otras mujeres más adelante como ginecóloga especializada en infertilidad.

Como investigadora luchó contra todo tipo de prejuicios por publicar su obra El arte de amar, fruto de muchos años de investigación que realizó tras encuentros médicos con sus pacientes en su despacho. En estos encuentros, además de ser ginecóloga, Wisłocka asumía también el rol de educadora sexual, consejera y amiga. Ofrecía consejos e intentaba empoderar a sus pacientes. Las orientaba sobre cómo conseguir la liberación sexual, la importancia de los métodos anticonceptivos, cómo solucionar problemas de infertilidad, la necesidad de la protección sexual, el desahogo de los problemas matrimoniales, los miedos y sueños, entre otras preocupaciones.

Wisłocka luchó desde el 1945 hasta 1976, contra viento y marea, contra el machismo, los periodistas, contra la Iglesia Católica, los prejuicios de la burocracia, la censura estalinista, el conservadurismo y otros colegas médicos quienes la tildaban de loca y de académica poco seria, por el tema tabú que desarrolló en su obra.

Sin rendirse ni un minuto, finalmente, los editores accederían a la publicación del libro de modo condicionado. Quitarían el capítulo dedicado a los orgasmos por considerarlo pornográfico. Mishka se negaría rotundamente a esta condición, pues según ella: era imposible hablar sobre el arte de amar sin orgasmos. En 1975, su sueño finalmente se haría realidad y la obra terminaría convirtiéndose en bestseller y revolucionando la percepción de la sexualidad en su país.

Polonia ha sido desde siempre un país de derecha, religioso, conservador y desde el 2015, es el ultraconservador partido PiS (Ley y justicia) dirigido por Jaroslaw Kaczynski, que lidera el país, mientras pone en detrimento los derechos de la mujer y de la comunidad LGBTQ. Pensar y hablar sobre sexualidad libre en un país influenciado enormemente por la Iglesia Católica y la represión ha representado desde siempre un tabú, pero sobre todo en los años 60 y 70. En tiempos más recientes el PiS, incluso, ha criminalizado la educación sexual para menores en un intento por impedir que se normalicen este tipo de relaciones. Encima, bajo su liderato el discurso anti-feminista, anti-aborto, anti-equidad y anti-disidencia se ha tornado más popular que incluso durante el comunismo.

El arte de amar se consideró desde su publicación, una obra revolucionaria. Es además el manual polaco sobre la sexualidad adulta más leído en la historia del país y de Europa Central. A pesar de reflejar roles estereotipados de género, en sus páginas se normaliza el acto sexual, tanto para el disfrute del hombre como de la mujer y no solo con fines procreativos. En el contexto post socialista y la re tradicionalización de la política sexual polaca, el libro de Wisłocka ha roto barreras. Muchos argumentarían incluso que la obra sigue siendo relevante hoy día.

«Quieren destruirlo todo, incluso nuestro amor», expresó la doctora, quien sobre todo, creía en la liberación sexual para todas las personas.

El libro aborda el desarrollo de la sexualidad bajo el estado socialista en Polonia, marcado enteramente por tensiones, contradicciones y ambigüedades y por estar controlado casi enteramente por la Iglesia. Se consideraba el acto sexual como algo profano, impuro, motivo de vergüenza y pecado, por reflejar el deseo carnal y la mortalidad del ser humano. Se reservaba únicamente para fines de procreación, según los códigos sociales y morales de la doctrina eclesiástica.

Bajo el estado socialista, existía un Código de Ley Familiar cuyo objetivo principal era salvaguardar la estabilidad del matrimonio y la familiar. La sexualidad libre era vista como un asunto de amoralidad y decadencia del Oeste capitalista.

Históricamente en Polonia, no se reconoce la obra de muchos científicos en el estudio de la sexualidad, aparte del antropólogo Bronisław Malinowski, quien abordó la temática desde un punto de vista más exótico, cuando llevó a cabo trabajo de campo etnográfico en las Islas Triobriand en el Pacífico y estudió las prácticas sexuales «salvajes» allí a principios del siglo XX.

Por tal razón los esfuerzos de una científica como Wisłocka, considerada en aquel momento como atípica, rebelde, vanguardista y demasiado liberal, debían reprimirse a toda costa.

Netflix adaptó la obra a la pantalla grande en una película magistral interpretada por Magdalena Boczarska, quien ganó menciones por su actuación. El filme presenta una Polonia sexualmente reprimida y opresiva desde el año 1945 durante la Segunda Guerra Mundial, hasta el 1976. El papel de Wisłocka es interpretado siempre en contacto con su sexualidad y con el objetivo de abrir la mente de otras mujeres a que sientan también el placer de sus cuerpos sin remordimiento o culpa. El largometraje es una pieza que merece la pena ser vista para aproximarse tanto a la vida de Wisłocka como a la historia de la sexualidad comunista. Una vez más la Escuela Polaca de Cine brilla por su talento e ingenio.

¡100% recomendada!

266 casos representan el índice de feminicidios que se han producido en la isla del 2014 al 2018 de acuerdo a un informe generado por el proyecto Kilómetro 0 a cargo de la periodista Mari Mari Narváez y Amarilis Pagán Jiménez, del Proyecto Matria. Este número representa una cantidad mayor de muertes que en países latinoamericanos como Perú o República Dominicana, donde se han reportado elevadas tasas de feminicidios en los pasados años.

Las cifras reflejan que ha aumentado la violencia en los últimos años y peor aún, no parece haber indicadores que demuestren que una de las causas principales: la desigualdad- tanto de género como socio-económica– se esté reduciendo. Precisamente por considerarse uno de los países más desiguales en el mundo, Puerto Rico obtuvo también una de las tasas más altas de feminicidios a nivel internacional, de acuerdo a dicho estudio.

“Los objetivos de este informe son documentar los feminicidios en Puerto Rico a través del uso de estándares de comparación internacional y promover recomendaciones de política pública para reducir o erradicar el fenómeno. El estudio se fundamentó desde una perspectiva de salud pública; analizamos los feminicidios por medio de conceptos y métodos típicamente utilizados para detectar patrones y tendencias de mortalidad”.

El proyecto colaborativo entre Proyecto Matria y Kilómetro Cero se titula: La persistencia de la indolencia: feminicidios en Puerto Rico 2014-2018 y lo que pretende hacer es recoger, por medio de una base de datos, un análisis social y científico que intenta estudiar de cerca las causas de dichos feminicidios y establecer recomendaciones de política pública capaces de controlar la situación de emergencia que se enfrenta en la isla.

A propósito de estos esfuerzos, la semana pasada se conmemoró el Día Internacional en Contra de la Violencia hacia la Mujer. Muchas manifestantes de países como España, Argentina, Chile, México y Puerto Rico salieron a la calle a protestar con pancartas alusivas al patriarcado y camisas y parafernalia de color violeta, con la esperanza de poder frenar el machismo y la ola masiva de feminicidios que arropa el mundo.

En Puerto Rico- solo en este año- han ocurrido más de 1,385 casos de violencia doméstica, según la página web oficial de la Policía. En la mayoría de los casos son mujeres con baja escolaridad entre las edades de 25 y 34 años quienes están en mayor riesgo. En el caso de los asesinatos por género, la primera base de datos revela que la mayoría de las víctimas de feminicidios fueron asesinadas con armas de fuego (58%), otras acuchilladas y otras tantas, permanecen desaparecidas. Desafortunadamente, existe muy poca investigación que estudie sistemáticamente este fenómeno.

“Llevamos años estudiando esta desgracia desde nuestros distintos espacios de lucha, buscando los datos certeros que las autoridades procuran esconder, haciendo llamados de urgencia, tratando de comprender las dimensiones de los feminicidios en nuestro país, buscando soluciones de política pública, ejecutando estrategias comunitarias de prevención, educación y activismo.” Así expresaron Amarilis Pagán Jiménez y Mari Mari Narváez del Proyecto Matria y Kilómetro Cero, respectivamente.

Desde luego la violencia de género y el machismo se perciben desde cada ángulo y espacio de nuestra sociedad, muchas veces fomentado por las mismas mujeres.

Conozco de casos muy cercanos a mí y parto también de la propia experiencia para expresar que la violencia en contra de la mujer se manifiesta y evidencia de diferentes maneras, no siempre física, sino también: emocional, cibernética, sexual, económica y psicológica, entre otros. El agresor no siempre puede catalogarse en un perfil del típico abusador. Se esconde entre nosotros a veces camuflado, a veces muy querido y respaldado por los otros porque lleva una doble vida. En ocasiones a la víctima se le confunde y acusa –incorrectamente– de ser agresor/a y los roles se invierten.

Otro factor que contribuye al alza en estos casos es el recorte de presupuesto y donativos legislativos que han sufrido algunos hogares que atienden víctimas de violencia doméstica.

Por una parte se reducen los fondos destinados a controlar y erradicar dichos cánceres sociales, mientras que por otra, los millones de dólares otorgados en contratos a personas y bajo circunstancias políticamente cuestionables sobrepasa los $18 millones, comprometidos solo durante este cuatrienio.

No es casualidad que el gobierno fomente aumentar su bolsillo por medio de la corrupción desenfrenada, mientras el país y las mujeres son víctimas de violencia, sufren en silencio y otras mueren a manos de sus parejas y ex parejas.

Peor aún es reconocer que el sistema muestra ser cada vez más deficiente en identificar, tomar acción y dar continuidad a los casos de violencia doméstica que se reportan.

Aparte de la falta de recursos, las mujeres somos también víctimas de la ineficiencia gubernamental que contribuye enormemente al problema. Para empezar, es muy difícil -por raro que parezca- reportar una amenaza por parte de un cónyuge en un cuartel de la policía. Una vez lo intenté hacer y mostré a la persona que me atendió- que dicho sea del paso era mujer- evidencia en fotos y mensajes de varios intentos de agresión. La mujer- evidentemente incrédula o con ganas de minimizar la situación- insistía en que a menos que la persona amenace de modo presencial con un arma blanca o de fuego en mano, aquello según ellos, no constituía una amenaza. Tuve que abandonar el cuartel sin más.

El caso se complica aún más cuando las agresiones son cibernéticas o el agresor se encuentra fuera de la jurisdicción de la víctima, ya que la división que supone que atienda estas querellas, apenas contesta el teléfono y provee más excusas que otra cosa para no activar el protocolo. En cada una de sus manifestaciones la agresión y la violencia deben erradicarse y siempre otorgarse la importancia que ameritan como problemas sociales graves de nuestro país.

Entre las propuestas recomendadas del estudio se destacan las siguientes:

• Crear un sistema de vigilancia de feminicidios
• Adiestrar al personal de salud y otros profesionales
• Adiestrar al personal de la Policía, Tribunales y otras agencias de ley y orden
• Aumentar la investigación sobre feminicidios y su prevención
• Reducir la disponibilidad y la posesión de armas
• Promover la equidad social y de género y una cultura de no violencia

El panorama se complica cuando las víctimas tapan, temen, intentan reducir la magnitud del problema, se avergüenzan y peor aún, se enfrentan a la ineptitud de las agencias de gobierno, la policía y en ocasiones, a la ceguera o sordera de los vecinos y familiares. El agresor manipula, envuelve a la víctima en una telaraña tóxica de mentiras, falsas promesas y sueños tronchados. Algunas víctimas cuentan con apoyo familiar y de otros grupos y pueden salir con mayor facilidad de dicha situación, mientras muchas otras, desafortunadamente, no encuentran escape y mueren en el intento.

Conozco a muchas que padecen este mal o han sufrido los ataques de un agresor que es también su pareja o ex pareja. Tengo a una vecina que lo sufre, también tengo amigas y conocidas a las que respeto y quiero, que han sido víctimas. Esto no te convierte en una persona débil o de poco carácter. La violencia de género no discrimina y puede tocar a la puerta de quien sea. Yo también soy una de estas víctimas. Afortunadamente, tuve suerte, tomé acción y logré salir a flote. Y hoy, aunque logré distanciarme, me doy cuenta de que el proceso no termina aquí.

En cierta manera, una víctima nunca deja de serlo y para siempre tendrá que cuidarse más de lo usual, de no repetir patrones y de buscar protección desde todas las esferas. El agresor puede reaparecer en cualquier momento y toca nunca bajar la guardia. Hoy me abro para que otras mujeres comprendan que sí se puede salir victorioso aunque la batalla en ocasiones, nunca termina, pues de padecer, muchas pasamos a ser activistas. Basta ya de la violencia machista en contra de la mujer. Aportemos todos un granito para frenar este mal que nos afecta a todos. #NiUnaMás

 

Al salir, se entra…

Con esta cita nos adentramos en la más reciente obra: polifónica, híbrida y seductora, del Dr. Rubén Dávila Santiago, profesor de semiótica de la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras. Se titula Crónicas de un confinamiento abierto y se trata de una investigación histórica y espacial que llevó a cabo el autor con el propósito de indagar en la figura del automóvil: un artefacto naturalizado y cotidiano, pero muy extraño y raro en su naturaleza. El libro es una invitación para que los lectores observen y se adentren en la cultura vehicular motorizada que permea en la isla y que regula y determina muchos -por no decir demasiados- aspectos de nuestra vida cotidiana.

Una vez en la calle, entramos a un espacio denso. Paradójicamente, el afuera es un adentro (…) Se trata de un confinamiento configurado por una red de sistemas entrelazados de fuerzas y de orientaciones tributarias de este montaje de automovilidad, cuyo elemento de coherencia y de cohesión es la cultura motorizada del automóvil privado.

El autor propone que en Puerto Rico, estamos todos cumpliendo una condena por el automóvil, encarcelados en el tapón diario de la urbe. El espacio urbano está dominado y definido por los vehículos. Carecen las aceras y el alumbrado, los cruces de cebra no se respetan, muchos semáforos no funcionan y, a todo el que comparta la vía -sea peatón o ciclista- se le atropella literal o simbólicamente. Además, el que se encuentra fuera del espacio confinado y protegido del auto, está expuesto y carente de refugio.

Cuenta Dávila que a veces cuando tiene ganas de caminar, sale de su residencia ubicada entre Hato Rey y Río Piedras, dispuesto a transitar libremente por la vía. Le ha pasado que en el proceso,  se cruza inesperadamente con amigos o conocidos que transitan en autos y ante el asombro de verlo le dicen: ¿Te quedaste a pie? ¿Qué pasó? ¿Necesitas pon? Móntate. Como si caminar libremente por la calle o estar a pie, representara una vergüenza o un remedio solo cuando existe un problema.

Los que van dentro de sus autos, entran para salir o salen para entrar, de un espacio interno, clausurado y confinado. En una nación donde existe un auto por cada 1.5 habitantes y carece un sistema de transporte público auto sustentable y práctico, no es exagerado decir que las ciudades en Puerto Rico están construidas para los automóviles y no para los ciudadanos. Aparte de clausurarnos en un espacio confinado, el vehículo motorizado también representa un peligro y una amenaza. En el año 2018, por ejemplo, se estima que 100 personas murieron atropelladas en la isla, cifra que representa el 35% total de muertes en carretera.

El libro de Dávila representa una verdadera obra de arte. El Grupo de Estudios Semióticos, un colectivo formado tanto por estudiantes como profesores y profesionales del campo, colaboró en su diseño. Su portada de color negro azabache es una metáfora del asfalto que arropa nuestras carreteras. La portada recoge también varias formas geométricas, que podrían interpretarse como vehículos que se juntan de modo efímero cuando hay congestión y luego se separan procurando camino propio. La portada es también expansiva y una vez se levanta la hoja, gira al lado izquierdo para presentaros una nueva capa con la frase: Al salir, se entra… Continuamos descubriendo el interior de la obra así como el papel de un regalo nuevo que se desenvuelve.

Aparece adentro, al lado derecho, la imagen en blanco y negro, de una mujer que conduce su auto y mira fija y perdidamente a la cámara. Sigo abriendo las diferentes capas del libro y descubriendo elementos nuevos. En el lado derecho encuentro un bolsillo que sujeta unas postales. El autor me explica -en el momento antes de firmar mi recién adquirido libro- que en Colombia, donde ubica la imprenta a cargo del trabajo de reproducción- no siguieron sus instrucciones. «Esto supone que vaya aquí», me explica, mientras mueve de bolsillo una cartografía -también en blanco y negro- que recoge la configuración urbana de Puerto Rico desde 1930 al presente, sin seguir ningún tipo de orden cronológico. Se titula El arte de apartar.

En el bolsillo derecho del interior del libro hallo varias piezas más de la investigación del autor que no están allí por casualidad. Un anuncio antiguo de una compañía de autos norteamericana dice: ¡Felices Pascuas (…) Todo puede hacerlo en un Chevrolet. Aledaño a esta propaganda aparece la impresión de una carta escrita a mano por un obrero en 1949 y dirigida a don Luis Muñoz Marín en la que expresa su preocupación por la acelerada urbanización de su barrio y el hecho de que su casa estaba sufriendo por estar construida en una zona inundable. Cada una de estas piezas conforman una meticulosa investigación que traza la historia de Puerto Rico por medio del automóvil.

Sin embargo, el elemento que más llamó mi atención de todas las piezas incluidas en esta divertida e innovadora obra es una postal titulada Los desaparecidos en la que aparece una foto en blanco y negro de un grupo de niños puertorriqueños caminando por una calle -algunos con libros y cuadernos en mano, otros que transitan junto a sus madres o tías y todos ocupando la vía a pie.

Parte del secuestro del que habla el autor se trata de esta población infantil, que según Dávila, han sido desplazados por el encierro.

QUISIERA PROPONERLE UNA IMAGEN, YO LE VOY A LLAMAR LOS DESAPARECIDOS. OCURRE QUE ESTOY PARADO FRENTE A MI CASA, EN LA ACERA DE LA AVENIDA MUÑOZ MARÍN, ALLÍ HAY CARROS, SOBRE TODO CARROS, PORQUE LAS ACERAS NO SON DISEÑADAS PARA CAMINAR, ES UN AMBIENTE HOSTIL EL CAMINAR, Y ME DOY CUENTA, COMO PUEDE DARSE CUENTA CUALQUIERA DE LAS PERSONAS QUE NOS ESCUCHAN, QUE EN NUESTRAS CALLES NO HAY NIÑOS. NO HAY NIÑOS.

El libro se presentó anoche en la Fundación Luis Muñoz Marín en Trujillo Alto: un espacio que, por ser según su director ejecutivo, Julio Quirós, «un ecosistema cultural y natural de patrimonio histórico», se presta perfectamente bien para servir de hábitat de diálogos reflexivos sobre el país. El público lo formó, casi por completo, estudiantes del propio profesor, específicamente aquellos que cursan el seminario Semántica del Hábitat.

Al cabo de la intervención de los profesores Chiara Bollentini (Lengua y Discurso, UPRRP) y Félix López Román (Sociología y Estudios Urbanos, UPR Humacao), los estudiantes del seminario tomaron el micrófono de modo individual para presentar cada una de sus propuestas de investigación: todas centradas en el concepto del vehículo y los espacios urbanos.

Es alentador ver mentes jóvenes dinámicas y brillantes que se han visto inspiradas por la obra de su profesor, Rubén Dávila. Es hora de comenzar a cuestionar y mirar con ojos de extrañeza aquellos símbolos que se han naturalizado, sin sentido, en nuestra cultura.

El libro Aftershocks of Disaster, Puerto Rico Before and After the Storm- editado por Yarimar Bonilla y Marisol LeBrón (Haymarket Books, 2019)- profundiza en la enfermedad que padece la isla desde antes del impacto del ciclón. Al mal se le llama colonialismo del desastre y se refiere a cómo las estructuras gubernamentales y el legado colonial del país abrieron paso al impacto desastroso y al mayor deterioro producido por María y sobre todo, por los actores políticos a cargo de la «recuperación».

Nada ocurre en el vacío. A más de dos años del paso de María por Puerto Rico, aún se sienten los efectos del fenómeno como los movimientos bruscos producidos por un sismo que intenta liberarse de energías acumuladas en la tierra. En Puerto Rico se vive el colonialismo del desastre desde siempre, solo que ahora lo sentimos aún más.

La periodista canadiense, Naomi Klein, lo había expresado en su libro La batalla por el paraíso, en el que se elaboran conceptos claves como: la doctrina del shock, el capitalismo del desastre y el disaster profiteering (lucro del desastre) que ocurrió en la isla tras el paso de María. Los que vivimos, trabajamos e intentamos sobrevivir día tras día en esta colonia, nos hemos convertido en presas del shock continuo.

Casi noventa días llevo sin escribir por las exigencias de la vida laboral y personal y el agobio que produce -muchos veces- intentar sobrevivir y salir a flote en la colonia. Mi guagua ya no aguanta más boquetes y cráteres en las carreteras principales y no tan principales. Las botellas nuevas que se le instalaron, por más nuevas que sean, siguen dando cantazos.

Como si fuera poco, el antagonismo y la agresión que se vive entre ciudadanos parece ir en aumento. Es como si muchos buscaran un detonante para justificar una explosión de su parte, una agresión al prójimo. Se percibe en el aire mientras se conduce en las carreteras, entre vecinos, en la privacidad del hogar con la familia. Escasea la paz y tranquilidad, el bienestar. Nos estamos matando los unos a los otros. Literalmente.

El libro Aftershocks of Disaster dice: Porque nos negamos a ser tragados y desaparecidos por la inacción y el silencio, los puertorriqueños continuamos gritando la verdad y tomando la recuperación en nuestras propias manos.

Y sobrevivir es también una parte fundamental de la recuperación, porque un Puerto Rico sin puertorriqueños no tiene sentido.

(…)

En la UPR, por otra parte, el semestre parece pisar y no arrancar. La semana pasada por culpa de un tubo que explotó desprevenidamente una noche, nos hemos quedado sin aire acondicionado nuevamente en Arecibo. Y aunque la loma donde se localiza el recinto está muy estratégicamente situada frente al mar, desde donde sopla el viento del norte y abraza el Océano Atlántico, es una desgracia que no se hayan construido los edificios acordes y en armonía con la naturaleza, para de este modo permitir el flujo natural de aire. Cada vez nos encontramos más lejos del progreso y la modernidad cuando, en una isla tropical y de clima agradable todo el año, dependemos de un sistema de aire acondicionado central no sustentable para poder sobrevivir sin morir asfixiado en un horno.

Sin embargo, a pesar de los graves problemas de infraestructura, apolítica y precariedad, en el último mes se ha producido mucha labor y quehacer cultural en Arecibo. El día 4 de octubre celebramos el centenario del nacimiento de René Marqués con una iniciativa de esas que realmente le alegran la vida a uno. Arte 360, un evento que se celebra cada primer jueves del mes en el casco urbano del pueblo y reúne a aficionados, artistas, músicos, poetas y gestores culturales- giró en torno a la figura de escritor y guionista, nacido en Arecibo en 1919.

El maestro Antonio Martorell, quien conoció a Marqués en la UPR durante la década del 50, lo homenajeó por medio de un retrato hablado o performance, presentado en el teatro de la Casa Ulanga. Junto a Rosa Luisa Márquez, interpretaron a la perfección la obra del autor de La Carreta, fusionando el dibujo, la música, el humor, la sátira y la profundidad que permite la reflexión histórica.

Rosa Luisa mencionó que en aquella época, las obras de René Marqués no estaban bien representadas e incluso se censuraban, por tratar el tema del gran sueño americano como una noción falsa de la libertad que se obtiene por medio del consumo y el capitalismo. Encima, la relación de René Marqués con Jaime Benítez (primer presidente de la UPR), tampoco era la mejor. Sus obras, por ser de afirmación patriótica y su tesis sobre el carácter dócil del puertorriqueño, disgustaban a muchos anexionistas. Decía el escritor que el puertorriqueño padecía de ser moralmente eñangotado, fatalista, resignado, aplatanado.

Y qué razón tenía. Difícil sino imposible es no sentirse indignado por la inacción en torno a la situación actual que se enfrenta en el país y, a la vez, tan conectada con la tesis de Rene Marqués. Aquí se sobrevive en una anarquía en la que se intenta salir a flote en un país donde carece la ley y el orden.

El puertorriqueño que vive en el Puerto Rico sacudido por el colonialismo del desastre muchas veces actúa en el ahora y a su conveniencia, sin respeto, conciencia o empatía- porque se ve obligado a sobrevivir y sobre todo, porque se le permite. En esta carrera, se salva el que pueda.

Hace un par de días con motivo del Día de la Salud Mental que se celebró en la UPR de Arecibo, un par de estudiantes de Comunicaciones se me acercaron para pedirme que compartiera unas expresiones positivas ante la cámara para un vídeo que estaban produciendo. Me quedé en silencio unos minutos, contemplando la situación precaria del país, combinada con mi propia falta de estabilidad laboral. Pensé de repente en todos los estudiantes que tendrán que abandonar sus estudios ante la imposibilidad de cubrir con nuevos gastos y recortes impuestos por la Junta de Control Fiscal.

Pensé en aquellos que ya no recibirán exenciones de matrícula por ser atletas o artistas, y muchos otros que no tienen ni tendrán para comer en la cafetería. Pensé en los sintecho, adictos a la heroína que merodean cada semáforo, invisibilizados y excluidos por las agendas políticas, quienes solo esperan curarse una vez más hasta que la muerte los libere.

Hace un mes murió uno de ellos a quien conocía. Se llamaba Daniel y era el hermano de una querida amiga de la niñez. No venía de una mala familia; estudió en los mejores colegios y se le dieron muchas oportunidades que otros no tienen. Desde luego, Daniel fue víctima de un sistema putrefacto, que no cuenta con los medios para asegurar recursos asequibles que provean calidad de vida, alternativas de salud, rehabilitación sustentable y bienestar a sus ciudadanos.

Cuando se me acercaron aquellos dos estudiantes pensé en la precariedad que sufrimos todos en términos de servicios básicos y asistencia social. Sobre todo pensé en los residentes de Vieques y Culebra que sufren incluso más. Pensé en el Verano 2019 y en los amigos de Rosselló que participaron en el chat y aún no han pagado las consecuencias de sus actos. Me vino a la mente todo esto como un torbellino repentino. Sudada y desesperada por la carencia de aire acondicionado y la imposibilidad de impartir mis clases, decidí aceptar la petición de los alumnos. Al encender la cámara y darme la señal de que estaban ya grabando, expresé algo así como:

Exhorto a aquellas personas que lo necesitan, que busquen ayuda y hablen sobre aquello que les atormenta. Toca positivar. En la unión está la fuerza; saldremos de esto.

Intenté convencerme a mí misma de que el mensaje llegara y aportara en algo.

(…)

Cuando se presentan en pantalla grande y gozan de éxito inmediato películas de tensión psicológica tan severas como Joker, y los medios no hacen más que glorificar y romantizar la pobre salud mental para luego saturarnos de histeria colectiva, toca hoy más que nunca no dejarnos caer y sumir en un vacío. Los grupos de apoyo formados por amigos, colegas, expertos en salud u otros son clave para salir a flote, cambiar de switch y comenzar a positivar.

Ese mismo positivismo lo sintió y compartió esta semana la periodista Sandra Rodríguez Cotto, a quien invité a participar en una presentación de su libro Bitácora de una transmisión radial. Organizamos un conversatorio con sus editoras y mis estudiantes de UPRA y la periodista no dejó pasar la oportunidad para expresar sus observaciones en torno a la experiencia.

Las tres, Zayra, Mayda y yo, quedamos fascinadas con los estudiantes. Desde que entramos al edificio de la UPR en Arecibo se sentía la energía. Ajado por el deterioro físico al que los gobiernos han sumido a la universidad, con ventanas tapiadas desde el paso del huracán María y sin electricidad en casi todo el campus, las estructuras son un fiel reflejo de la crisis y destrucción en la que están sumidas las instituciones de este país. Sin embargo, cuando se miraba a los ojos de los jóvenes, su alegría contagiosa, con esas miradas de curiosidad y entusiasmo, se le pegaba a una ese optimismo. Verlos renovó mis fuerzas y sé que a todas nos dio esperanzas.

 A mí también me renuevan las esperanzas mis estudiantes, la academia, mis seres queridos e incluso, la lectura, la redacción y la profundización de todo estos temas que nos atormentan. También las crisis sirven de inspiración. Momentos como estos, en que se leen las observaciones positivas de alguien que analiza desde afuera, provocan en uno un profundo sentido de satisfacción, orgullo y felicidad de saber que ante todo lo que se vive en esta colonia del desastre, aún quedan esperanzas.

Toca seguir creando espacios de diálogo entre nosotros mismos, para de este modo, desahogarnos sanamente y obtener mejor entendimiento de los fenómenos que nos rodean y de los actores detrás de dichos actos. Puerto Rico y todos los puertorriqueños también saldremos de esto. No nos queda de otra.

 

Ayer no fue cualquier día. El 22 de julio de 2019 marcó historia en Puerto Rico. Once días se han cumplido desde que el pueblo ha dejado expuesta su indignación y exigencia al gobernador. Que renuncie es lo que queremos el millón de personas que, ayer lunes, salimos a marchar en el Paro Nacional, que comenzó bajo un sol ardiente frente al Estadio Hiram Bithorn y continuó a lo largo de la expreso Las Américas en dirección a Caguas. Una parte de los manifestantes llegó hasta la Fortaleza en horas de la tarde y ya pasadas las 11 de la noche se presentó un incidente en el que gases lacrimógenos fueron lanzados por parte la policía.

Y como si fueran pocos once días de constantes protestas multisectoriales, Ricky Rosselló hace oídos sordos al llamado del pueblo a bajarse de su trono y desaferrarse del poder que ocupa desde que inició una de las peores tragedias para la historia moderna de Puerto Rico. La avalancha, podría decirse, que acrecentó exponencialmente con la imposición de una Junta de Control Fiscal, medidas masivas de austeridad impuestas violentamente y de la que pocos sectores de la sociedad se salvan y, el catastrófico huracán María. Los eventos que ahora hicieron colmar la copa fueron los arrestos de las personas más allegadas del gobierno de Rosselló- entre ellas la ex secretaria de Educación, Julia Kelleher- y la publicación de un chat de casi 900 páginas, en las que Ricky y sus secuaces se burlan en un tono perverso y maquiavélico, de todo Puerto Rico.

La académica, Luce López Baralt dice en su más reciente artículo para El Nuevo Día:

La moral del país ha estallado como vidrios rotos y nuestro deshonor toca fondo. Las calles de San Juan se incendian; la capital se paraliza; los cruceros cancelan nuestros puertos; Ricky Martin, Bad Bunny y Lin-Manuel Mianda protestan al unísono. Nuestra degradación da la vuelta al mundo: desde María no habíamos copado los titulares internacionales, pero este nuevo huracán, hijo de mentes torcidas, nos dejará cicatrices más graves que las del histórico ciclón.

Ese nuevo huracán es el hijo de uno de los ex gobernadores más corruptos de nuestra historia: Pedro Rosselló González, a quien la periodista y escritora Ana Teresa Toro llama: el bailaor de la Macarena, en el libro de ensayos: Perdimos. ¿Quién gana la Copa América de la corrupción? (Editorial Planeta, 2019). Ese mismo Rosselló padre, declaró hoy públicamente (después de haberse llenado los bolsillos de una pensión Cadillac que no le correspondía) que oficialmente se desunirá y desvinculará con el Partido Nuevo Progresista, después de haberle robado al país millones de dólares- aunque, como por obra de magia, nunca fue acusado de ningún cargo. De su padre, Ricky Rosselló aprendió sobre corrupción, mano dura, privatización y de cómo hacer guisar a sus allegados, mientras se desangra el país.

Por eso salimos ayer a las calles a marchar. Por que estamos hartos, indignados y sabemos que nuestro país ni merece ni soportará toda esta tragedia que nos han impuesto a la fuerza. Pareciera ser que para muchos, pertenecer al gobierno representa una llave de oro que abrirá las puertas de la riqueza rápida y fácil, al lucro personal. No hace falta un análisis de discurso para notar cuántas veces estos pseudo líderes hablan en primera persona: MI proyecto, la legislación que YO firmé, etc. etc.- y prácticamente nunca en tercera, ni del pueblo.

(…)

Ayer a las 8:30 de la mañana ya los policías habían bloqueado el paso para llegar al Estadio Hiram Bithorn en Hato Rey. Estacionamos el carro en una de las calles aledañas y con banderas, pancartas y otra parafernalia de protesta nos encaminamos al punto de encuentro entre Plaza las Américas y el Estadio. Nos topamos con personas de todas las edades, colores, ideologías y trasfondos y nos unimos bajo una solo consigna. Pasaban, leíamos los pancartas y sonreíamos ante el ingenio boricua, como símbolo de empatía y fraternidad. Ayer todos los puertorriqueños fuimos hermanos y hermanas sin importar colores ni pasados. Ayer despertó la conciencia ciudadana; tomamos control y paralizamos el país.

Y así continuamos marchando junto a miles de personas bajo un sol que ardía y curtía la piel en la Expreso las Américas. La clase artística se uniría luego a los reclamos del pueblo. El sudor se volvió tan colectivo como la misma indignación que sentimos porque nos arrancan y venden lo poco que nos queda: las escuelas, la UPR, las pensiones, los salarios dignos, la salud, las tierras, el presente y la oportunidad de tener un mejor futuro… Pero no las ganas de luchar, esperanzados de que esto tiene que cambiar. Como dice René Pérez en Afilando los cuchillos- un sencillo que se ha tornado un himno en los últimos días: «el único partido que nos une es la furia».

Con ese y otros himnos patrióticos, como la muy popular Preciosa de Rafael Hernández, interpretada por Marc Anthony, personas de todos los rincones de la isla y de la diáspora marcharon exigiendo la renuncia de Rosselló en una manifestación que se estima reunió el doble de cantidad de manifestantes que la protesta en contra de la Marina de Vieques hace veinte años.

(…)

Si Ricky se cree que porque pida perdón al pueblo ya nos reconciliaremos con él, realmente demuestra su grado de enajenación y pobre salud mental. Según el escritor Eduardo Lalo: «Aparentemente, el gobernador conserva una actitud infantil ante las faltas y los castigos (…) Aparentemente Pedro Rosselló no puede aceptar que el fracaso de su hijo es, de cierta medida, también el suyo».

La entrevista que concedió Ricky al periodista Shepard Smith de Fox News en el día de ayer comprueba mejor que nada (como si aún hiciera falta), que fracasó. Le fracasó a su padre, a su partido y mucho peor aún, al pueblo. Durante los diecisiete dolorosos minutos que dura la entrevista es imposible que el nivel de desasosiego por parte del espectador no vaya in crescendo. Por una parte porque las preguntas del ancla son muy acertadas y nos recuerdan lo que el verdadero oficio de un/a periodista debe ser: documentarse bien e ir a toda cuesta tras la verdad sin temer las represalias. Por otra parte, porque las respuestas de Ricky jamás contestan la misma pregunta que se le hace durante toda la entrevista: ¿por qué no renuncia? Aunque aún no lo vea o acepte: Ricky hizo el ridículo a escalas patéticamente altas, desviando las respuestas del ancla con sus expresiones muy alejadas de la realidad. Pareciera ser que cuando no está lanzando insultos sexistas, homofóbicos y violentos a tutiplén, Ricky Rosselló anda en un viaje.

Tu viaje está por culminar. El pueblo se ha hecho sentir y continuaremos haciéndolo hasta que renuncies. Con cacerolas, baldes, poses de yoga, banderas, pancartas, altavoces, pitos y con lo que haga falta. Ayer no fue cualquier día, que no se nos olvide. Somos más y no tenemos miedo.

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Ricardo Rosselló anunció su renuncia como gobernador de Puerto Rico el miércoles 24 de julio, al reconocer que no podía mantenerse más tiempo en el poder de modo creíble. A través de un video pre-grabado y emitido por Facebook  la noche del miércoles, Rosselló, lanzó al mundo un mensaje politiquero, enajenado de la realidad y vacío, en el que expresó que abandonaría el cargo el próximo 2 de agosto.

Hace casi tres semanas que el Museo de Arte de Puerto Rico inauguró una nueva exposición permanente que brinda homenaje a las múltiples identidades puertorriqueñas en y fuera de la isla. Puerto Rico Plural aporta una respuesta audiovisual en forma de proyecto colaborativo artístico a la pregunta: ¿qué es ser puertorriqueño? -en el que se combinan géneros como la pintura, la escultura, el montaje y la instalación- a la experiencia boricua con su representación diversa. Se trata de la quinta exposición permanente que reúne 230 obras de 150 artistas, una tercera parte formada por mujeres y en la que también puede percibirse la representación de comunidades marginadas, como lo es la LGBTQ+.

Los miércoles a las 6:00pm, Juan Carlos López Quintero, venezolano radicado en Puerto Rico desde hace 11 años y curador de la muestra, ofrece recorridos gratuitos para el público general. Los domingos, por otra parte, es la doctora Noemí Sierra, voluntaria del Museo hace 20 años y maestra de arte de Cupeyville School, quien acompaña a los visitantes por las aulas del Museo y ofrece una mirada profunda de nuestro país.

–¿Te gustan los chismes históricos?, me pregunta con una sonrisa entre dientes. Noemí es una gran conocedora de la historia del arte y la historia general de nuestra isla y por medio de Puerto Rico Plural, va narrando el contexto social, político, religioso y cultural de la isla del siglo 18 al presente. «Vemos aquí una manifestación incluyente sobre lo que es la identidad boricua», explica. «Una obra de arte puede decirte mucho más que un libro de historia»…

 

El recorrido que todo puertorriqueño debe presenciar inicia en el Teatro del Museo, en cuyo escenario cuelga El Mundillo, un telón de hilos fabricado durante dos años por un grupo de ocho mujeres de Moca y diseñado por el maestro Antonio Martorell. La obra de 30 pies de largo, intenta, por medio de un juego de palabras, enfatizar la hermandad latinoamericana de Puerto Rico con el resto del continente y reflexionar sobre los cambios geopolíticos en el mundo durante las últimas décadas.

Del Teatro pasamos directamente al cuarto piso donde inicia el recorrido de Puerto Rico Plural. El grupo presente se detiene en la primera sala, la Sala Horizonte, frente a una de las obras de Rafael Tufiño, producida entre 1952 y 1954. Se titula La Plena y se trata de un mural construido sobre paneles de madera, pero también de una obra multidisciplinaria donde se combina el pasado, el presente y el posible. El mural es un tributo a la radio cantada, en el que se perciben doce plenas ilustradas al estilo del maestro Tufiño. Escenas de Cortaron a Elena y que aparecen también en una película grabada para la División de Educación a la Comunidad, agencia en la que colaboró Jack Delano y su esposa, Irene para la década del 50. La Plena es una obra impresionante y muy divertida, en la que se esconden secretos y es palpable la influencia del muralismo mexicano y sus exponentes, como Diego Rivera, entre otros.

 

 Justo enfrente de La Plena yace otra instalación que fácilmente atrapa la atención de cualquier visitante. Nuestra guía, Noemí Sierra, nos dirige hacia ella. Se titula Hasta que la muerte nos separe, fue producida entre 1991 y 1993 y es una obra de la artista Anaida Hernández, inspirada en el trabajo investigativo de la periodista Carmen Enid Acevedo. A simple vista parece una oda a un camposanto, pero de cerca puede percibirse el real interés tanto de la investigadora, como de la autora de la obra: hacer un homenaje a las mujeres asesinadas a manos de sus parejas o exparejas durante esta época. La simulación de cada urna lleva el nombre real de una mujer asesinada, acompañado de artículos de recuerdo: flores, figuritas, mensajes escritos por sus hijos, rosarios, velas, entre otros. Fácilmente podrían encontrarse paralelos entre la obra producida en la década del 90 y la actual realidad que enfrenta la isla en términos de casos de violencia hacia la mujer y desigualdad de género.

 

 El surgir de lo patrio es el tema de nuestra siguiente sala. Nos aproximamos al sentir nacional, desde donde cuelga la obra maestra de José Campeche y Jordán: Las hijas del gobernador Don Ramón de Castro, 1797. Mucho se ha hablado sobre este cuadro, sobre todo en años recientes en forma de memes, sin embargo, pocos conocen los simbolismos históricos detrás de ella. Según la doctora Sierra, el cuadro representa la búsqueda de la identidad puertorriqueña. A pesar de parecer muy europea a simple vista, es la primera obra en la que pueden observarse detalles de nuestra cotidianidad boricua: una piña en el suelo, una maraca que sostiene la hija mayor, un puente en el horizonte que representa la unión entre el viejo y el nuevo mundo y las miramelindas que aparecen en el ramo de flores que sostiene la hija, todas alusiones a la puertorriqueñidad.

 

Una de las instalaciones más concurridas de la expo Puerto Rico Plural es la obra de Pepón Osorio: En la barbería no se llora (1994). Una vez tomé el primer paso dentro de la sala y observé mis alrededores, sentí que me quedaba sin aire y la piel se me erizaba: ¡qué energía se percibe allí! En forma de crítica, el artista construye una satírica representación del machismo personificado en una barbería puertorriqueña de Nueva York. Objetos como aros de carros deportivos, productos de belleza que aluden a la masculinidad, una mesa de billar, fotos y vídeos donde aparecen representaciones de hombres boricuas muy corpulentos y varoniles, entre otros, construyen un imaginario colectivo de lo que representa ser un hombre puertorriqueño (muy macho) en la diáspora. La frase pintada en la pared, explica nuestra guía, alude a un tatuaje común que se hacían los soldados puertorriqueños en la cárcel: Perdóname madre. Según Sierra, también está presente el sincretismo religioso en la instalación, por medio de la figura bíblica de Lázaro, que reúne tradiciones católicas con la santería y la mitología.

 

A pesar de contener obras de muchos artistas puertorriqueños actuales, Puerto Rico Plural hace también homenaje a las grandes figuras, como: Lorenzo Homar, Myrna Báez, José Campeche y una vez más, Rafael Tufiño. En un tríptico que une las obras de: Carlos Raquel Rivera (La industria), Augusto Marín (La agricultura) y Rafael Tufiño (La construcción), vemos nuevamente la influencia del cubismo y el muralismo mexicano, en el que los tamaños enormes de los protagonistas dan la impresión de endiosarlos. Tanto la industria, como la agricultura y la construcción representan los tres pilares de nuestra migración interna en Puerto Rico: del campo a la ciudad. Pareciera ser que el puertorriqueño está siempre migrando, en constante limbo, con un pie aquí y otro allá. Nuestro estatus colonial combinado con una historia plagada de conquista e invasión, permite que tracemos paralelos entre ese pasado y el presente, por medio del arte histórico y también contemporáneo.

 

 La realidad boricua de hoy es, desde luego complicada, sobre todo tras el paso de la peor catástrofe natural en la historia reciente, el huracán María, la imposición de una Junta de Control Fiscal, el éxodo masivo y un panorama generalizado de duda, austeridad, pobreza y mucha corrupción política. Toca ahora más que nunca, unirnos como pueblo, aceptarnos y ser incluyentes con todas las formas de identidad puertorriqueña. La muestra Puerto Rico Plural representa precisamente esto: un exaltamiento y llamado a la unión e inclusión del (arte) puertorriqueño en todas sus manifestaciones. Al final del día, ¿qué nos hace sentir boricuas? ¿Se trata de nacer en la isla, hablar español, vivir la cotidianidad, o de sentirse puertorriqueño, aunque naciera en la luna?…

Puerto Rico Plural es una exposición que debe ser presenciada por todos los puertorriqueños porque aparte de trazar un interesante recorrido histórico, político y cultural de la isla a través de los siglos, nos enriquecemos de bagaje cultural y nos enfrentamos a una nueva mirada que nos presenta nuestra diversidad y el importante papel que encarnan los artistas como constructores de crónicas audiovisuales.

¡¿Qué esperan para visitarla?!

En mi última escapada a la Gran Manzana, con motivo del Faculty Resource Network, una serie de seminarios interdisciplinarios que organiza cada año la New York University (NYU) para profesores universitarios de toda la nación, tuve la oportunidad de visitar varios museos y disfrutar de la vibrante cultura artística que ofrece esta ciudad. Aunque ya es la tercera ocasión en la que participo como docente seleccionada en dicha iniciativa, la oferta en cuanto a museos en Nueva York es tan amplia, que es fácil encontrarse con nuevos espacios de exhibición y celebración del arte durante todo el año, sobre todo en la época veraniega.

Para los amantes de estos espacios y personas que viajan en busca de una experiencia audiovisual, artística y cultural, sepan que los viernes, por ejemplo, algunos museos de la urbe, como el MOMA, abren gratuitamente al público. En otras ocasiones durante los meses de verano, se puede acudir a eventos como el Museum Mile, en el que varios establecimientos que se encuentran dentro del perímetro de una milla ofrecen a los visitantes una ventana a la historia, la cultura, la música y la expresión artística en general: una auténtica experiencia museológica neoyorquina al alcance de todos.

Interesante es observar la etimología de la palabra museo, que proviene del griego museión, es decir, lugar de las musas. Es la museología, o rama científica que estudia la trata de estos espacios, su historia, gestión de patrimonio, administración e influjo en la sociedad, la que se enfoca en este terreno de musas donde sobra inspiración, historia, cultura y simbología. Los museos y galerías de arte son espacios que deben democratizarse, pues por sus elevados costos de entrada y otras medidas de exclusión impuestas por el sistema, se han convertido históricamente en lugares destinados únicamente para la burguesía o las clases altas.

En esta entrada me enfocaré en algunos espacios en particular que tuve la oportunidad de visitar, algunos por primera vez y otros que encarnan este año, procesos de transformación y remodelación, como: el Museo del Barrio y el MOMA, o Museo de Arte Moderno. Todo esto en un esfuerzo por crear mayor acceso al arte, la cultura y la expresión cultural tan rica y necesaria para el desarrollo de los pueblos y sus comunidades.

El Museo del Barrio

En la Quinta Avenida cruzando con la Calle 120, yace el Museo del Barrio. Su ubicación es particularmente importante ya que se encuentra en la frontera de dos mundos muy desiguales e históricamente conflictivos:  la riqueza de Manhattan y su característico Central Park, con la marginalidad del Spanish (o East) Harlem, uno de los barrios donde existe la mayor concentración de puertorriqueños, así como de dominicanos, cubanos, mexicanos y otras comunidades latinas.

La localidad conocida como El Barrio figura como inspiración para este Museo que lleva el mismo nombre. Se trata de un espacio donde se recoge y exhibe la cultura puertorriqueña, caribeña y latinoamericana por medio de coloridas obras de artistas de renombre como Rafael Tufiño y Antonio Martorell y murales, algunos creados por graffiteros famosos como Keith Haring. El Barrio también es históricamente conocido por haber contribuido importantes aportaciones al mundo de la música y el baile latino y también por acoger a otras poblaciones minoritarias, como la sur italiana y la china. Desde sus inicios, las comunidades asentadas aquí han sufrido de cerca la marginalidad en todas sus manifestaciones.

A pesar de no pertenecer geográficamente a Harlem, el Barrio va desde la Calle 96 a la 125 (al este) y de la Quinta Avenida al East River. A principios del siglo 19 el era hogar de Nativos Americanos, mientras que más tarde pasó a convertirse en el lugar de asentamiento de granjeros estadounidenses e inmigrantes alemanes e irlandeses. Tras el paso de la Segunda Guerra Mundial, arribó una impresionante población del sur de Italia y luego, una ola de puertorriqueños se adueñaría del vecindario, asignándole de este modo su nombre latino que permanece hasta hoy: El Barrio.

No hay duda de que en la actualidad el Barrio ha enfrentado una fuerte transformación social impulsada principalmente por la gentrificación, o el aburguesamiento forzoso. Sin embargo, aún continúa experimentando graves problemas sociales como: el alto índice de criminalidad, desempleo, embarazos no deseados entre adolescentes, VIH, abuso de drogas, personas sin techo, entre otros. A pesar de dichos problemas, en el año 2016, East Harlem fue considerado por The New York Times como uno de los cuatro vecindarios de Nueva York más atractivos para vivir.

El proceso de transformación social al que ha sido sometido este barrio podrá atraer a personas de afuera, sin embargo, afecta directamente a los residentes que siempre han vivido allí. Uno de los efectos más desastrozos para esta población ha sido el costo de alquiler de viviendas, ya que los precios se han disparado, haciendo que muchos residentes hayan tenido que abandonar sus residencias en busca de otras zonas más económicamente asequibles en la ciudad.

East Harlem es considerado hoy día como un mercado que emerge y late a una velocidad impresionante. Desde hace años la zona ya atrae a inversionistas extranjeros y locales que se aprovechan del punto estratégico en términos de transporte y ubicación que ofrece esta comunidad. Ahora pasearse por el Barrio equivale a ver más millenials y familias que buscan un estilo de vida más hípster, alternativo o culturalmente diverso de lo que ofrece el resto de la urbe. Restaurantes y bodegas caribeñas de antaño han sido ya reemplazadas por condominios y rascacielos recién construidos. Letreros que anuncian la venta o el traspaso de negocios y residencias son ahora la orden del día.

Sin embargo, a pesar de la transformación, el Museo del Barrio, que recientemente celebró 50 años de su fundación, representa un espacio donde es posible todavía palpar la influencia cultural latina en vecindarios como este. Culture and the People: El Museo del Barrio, 1969-2019 es la principal exhibición del momento que recoge las cinco décadas de existencia del establecimiento por medio de una cronología histórica y cultural que combina dos exhibiciones: selecciones de la colección permanente, así como una mirada al origen de la institución cultural y educativa desde el punto de vista del activismo. El rol pionero del Museo ha sido presentar y preservar el arte latino en todas sus manifestaciones, y su legado se refuerza por medio de la temática siempre presente: raíces, resistencia y resiliencia.

Museum Mile

Ocho museos e instituciones dedicadas a promover el arte en un solo destino; este es el evento Museum Mile, que se celebra cada verano a lo largo de la Quinta Avenida en Nueva York. Si eres amante de la historia y la expresión artística, este evento te permite acceder a los siguientes espacios, libres de costo:

El Museo Judío (calle 92)

Cooper Hewitt Museo del Diseño (calle 91)

Museo Guggenheim (calle 88)

Neue Gallery New York (Calle 86)

Asia Society and Museum (Calle 85)

El Museo Metropolitano de Arte (MET) (calle 82)

 

MOMA

 

 

Un nuevo Museo de Arte Moderno (MOMA) abre sus puertas el próximo 21 de octubre en Nueva York. Se espera que el espacio cuente con más modernas y atractivas exhibiciones para el público, diseñadas por los arquitectos Diller Scofidio y Gensler. Dado el anuncio de la clausura temporera del espacio, decidí aprovechar mi estancia en la Gran Manzana para recorrer los pasillos de este espacio tan dinámico, refrescante y vanguardista un viernes, día en el que abren las puertas al público sin cobrar entrada.

Cientos de personas se alistaban para obtener una taquilla gratis en uno de los quioscos del vestíbulo del museo. Agarré el mío y subí al primer nivel del edificio para comenzar el recorrido. Algunas de las plantas ya se encontraban cerradas, por lo que el público presente se enfocó en visitar las obras de artistas más conocidos: Picasso, Van Gogh, Matisse, Signac, Félix Fénéon, entre otros. Joan Miró: Nacimiento del mundo es una las exhibiciones de mayor alcance, por reunir en una sola sala 60 de las mejores obras del pintor catalán: en papel, canvas, libros ilustrados y objetos, producidos entre 1920 y 1950, una vez obtuvo reconocimiento internacional. La exhibición fue curada por el nieto del artista, Joan Punyet Miró y Anne Umland.

Por todas estas razones este verano toca vivir y respirar arte, cultura y musas en la capital del Nuevo Mundo: ¡Nueva York!

El Parque Colón de la Zona Colonial es una plaza enorme y más que esto, el epicentro de la vida y cultura callejera que se manifiesta durante los días en que Santo Domingo recibe cerca de 700,000 visitantes que acuden cada año a la Feria Internacional del Libro.

 

 

Unos percusionistas retumban el cuero de sus bongós y raspan el metal de sus güiras al son de merengue. Aquí se respira un aire netamente dominicano, comenzando con el fuerte olor a puro que sale expulsado de los bares y fábricas donde se venden productos de tabaco.

La multitud de estudiantes que acuden a este evento aprovechan los ritmos caribeños para acorralar a los músicos y mover sus esqueletos. Bailan entre ellos y menean sus caderas, mientras dan vueltas. Tanto la plaza como la Zona Colonial desborda de alumnos de escuela elemental, intermedia y superior, de todo el país. Aprovechan estas fechas para, junto a sus maestras, visitar los monumentos históricos más importantes del casco antiguo, todos abiertos y de acceso libre para el público durante esta ocasión.

Teatro

La agenda cultural es amplia y el programa completo tiene al menos veinte páginas. Una de las más atractivas para los que visitan localmente es la agenda teatrera. Una noche asistimos a Todo un hombre, un cuento del profesor dominicano Juan Bosch (1909-2001) adaptado al escenario y presentado por la Compañía Nacional de Teatro de la República Dominicana. La trama envuelve a dos hombres en una lucha trágica por una mujer y presenta entre otros temas, el machismo que aún se percibe fuertemente en el país.

 

Capilla de los Remedios

Este año el país invitado de honor es Puerto Rico y en la Feria han designado la Capilla de los Remedios como la sala donde se celebrará la mayoría de eventos dedicados a la isla. Dos enormes banderas boricuas cuelgan de su estructura: una en el exterior de la Capilla y otra en el interior. Desafortunadamente, ninguna de las dos lleva el tono de azul celeste. Una tercera, más oculta, yace junto al escenario principal acompañando a la quisqueyana y a la estadounidense: objeto de repudio entre algunos escritores.

Juan López Bauzá, quien fue maestro de español en la Academia María Reina durante la década del 90 cuando allí estudiaba, es uno de ellos. Antes de presentar su novela Luzbella, que recrea la construcción de una sociedad que se ha librado de la colonialización, expresa su descontento. Aclara a la moderadora del evento, que no comenzará su intervención a menos que la bandera americana- que se encuentra al lado de la nuestra- se remueva o ponga detrás de la puertorriqueña.

A modo de protesta, explica, hago esto, ya que toda mi obra ha ido justo en contra de eso (señalando la bandera).

Aunque deciden no removerla, finalmente sí la mueven un poco hacia atrás y con cara de aparente disgusto, el escritor decide que comenzará a contarnos sobre el ingenioso mundo de su novela Luzbella. Trata sobre una sociedad con economía justa y equitativa en la que es posible alcanzar la máxima capacidad como seres humanos. Nos han convencido a creer que somos pequeños, insignificantes, incapaz de gobernarnos. Luzbella es el país en el que yo quisiera vivir. Es un libro que busca llamar a la acción.

 Aparte de Juan, la presencia de la bandera fue motivo de incomodidad y molestia también para otros invitados.

Sin embargo, para la periodista Sandra Rodríguez Cotto, quien publica una columna semanal para NotiCel y fue otra de las invitadas, mejor es enfocarnos en los lazos que nos unen a los dominicanos y el orgullo de ser los invitados especiales. A pesar de no molestarse por este asunto, Sandra es una mujer de fuerte convicción y mucho carácter, quien no titubea al expresar su opinión.

Recientemente publicó su libro Bitácora de una transmisión radial,donde recoge muchas anécdotas y reflexiones cubriendo-de modo voluntario- el huracán María como periodista radial. Esencialmente, es un libro sobre denuncias al gobierno, quien durante y después de la tormenta, brilló por su desinformación.

Sucedió lo impensable durante el huracán. En Puerto Rico existen 127 emisoras de radio- la mayor cantidad en todo Estados Unidos- y solo siete se quedaron durante el huracán. Wapa radio fue la única que se mantuvo (…) El gobernador decía que todo estaba bien mientras que los alcaldes alertaban sobre la situación real.

 Más tarde expresaría: Estamos moliendo el vidrio con el pecho los que queremos quedarnos en Puerto Rico.

 Y para olvidarnos un poco de cómo se siente estar siempre moliendo ese vidrio, volvamos a situarnos en la República Dominicana. Porque aparte de la Feria Internacional del libro, cuatro días dan abasto para conocer también espacios dentro y fuera de la Zona Colonial.

Parque Colón

En el centro del Parque Colón yace una estatua de Cristóbal Colón, quien en su primera excursión al Nuevo Mundo en 1492, arribó a Española, luego de hacer una parada en la isla Guanahaní, hoy San Salvador (Bahamas) y luego, Cuba (Juana). Colón es casi venerado en esta isla: todo lleva su nombre, todo evoca su legado.

Y aparte de Colón, muchos otros coloridos e interesantes personajes dan vida a la plaza. Algunos son músicos, otros vendedores y unos pocos, vienen aquí para recitar poesía o juntarse con sus amigos y conocidos para jugar checkers. 

Debajo de una sombrilla en una esquina de la peatonal Calle Conde ubica un restaurante que lleva el mismo nombre y contrasta con el resto de sabores, olores y ritmos quisqueyanos. Turistas jinchos y perdidos intentan in-visibilizarse entre la multitud, sin lograrlo. Es un trozo de Europa en el Nuevo Mundo. Le rodean músicos, vendedores ambulantes y una marea de gente que sube y baja.

El acento de un gringo, de esos que llevan un micrófono en la boca, retumba e impide escuchar el rasgueo armonioso de un guitarrista que lleva botas de cuero negro hasta las rodillas, afro redondito y chaleco de heavy metal. Toca canciones de Led Zeppellin, otras de flamenco y algunas pocas suyas propias. Se llama Camilo Rijos, tiene 27 años y es estudiante del Conservatorio de Música de Santo Domingo.

 

Un grupo de 8 a 10 estudiantes de intermedia pelean por sentarse en un banco detrás de la catedral, la primera del Nuevo Mundo. Un señor que vende bisutería falsa se cobija del sol con un gorro tipo sombrilla muy ajustado a la cabeza y un café negro con hielo en mini vasito de plástico. Al costado, un limpiabotas brilla los zapatos viejos de un cincuentón que mira fijamente a la distancia. Dos argentinas de mediana edad y pelo rubio inhalan humo de sus cigarrillos slim. Un moreno robusto y musculoso pasa por enfrente semi-desnudo y de camino a recrear lo que parecería una escena de teatro taína o un performance callejero de estatua viviente. Lleva plumas en la cabeza y un taparrabos discreto. Nunca más lo volví a ver, aunque sí a Anacaona, quien fue cacica y también poeta en la Isla Hispaniola (1474-1503).

Gente que sube, motoras y bicicletas que bajan. Esto es Santo Domingo durante la Feria Internacional del Libro.

Barrio chino

A dos cuadras del epicentro se encuentra el Barrio Chino de la capital. Lo sabemos por el arco rojo de arquitectura pequinesa que reclama el espacio y se impone junto a dos leones. Justo por debajo del arco pasa un dominicano cincuentón que transporta caña de azúcar en su bicicleta para venderla en algún puesto cercano. Algunos restaurantes y negocios llevan nombres chinos, pero no son mayoría. Apenas quedan residuos de esta cultura milenaria en Santo Domingo, salvo tres importantes centros: la Escuela de Lengua China, el Museo de Cultura China y la Clínica, especializada en medicina oriental.

(…)

 

Los tres ojos 

El Parque Nacional Los Tres Ojos queda fuera del enclave de la Zona Colonial. Se trata de un espacio natural maravilloso compuesto por cuevas subterráneas y tres lagos: uno de agua dulce, otro de azufre y uno tercero que solo puede accederse por vía marítima, en barco. Los primeros dos lagos de agua turquesa transparente pueden verse una vez se desciende una empinada escalera que lleva hasta el río subterráneo las Brujuelas. Y la sorpresa con la que uno se encuentra de frente, realmente vale la pena visitar. Con un poco de suerte también pueden observarse tortugas marinas nadando en la cueva.

 

Del 26 de abril al 5 de mayo se celebra la XXII edición de la Feria Internacional del Libro en Santo Domingo, capital de la República Dominicana.

Este año la festividad adquiere un valor especial dado que aparte de estar dirigida a escritores y a expositores nacionales e internacionales, en esta ocasión, será dedicada a Virgilio Díaz Grullón, considerado uno de los mejores exponentes de la literatura dominicana y también a Puerto Rico, país invitado de honor.

La Ciudad Colonial será el escenario de la Feria este año, en especial la Fortaleza de Santo Domingo (Ozama) y la Plaza España, ya que la Plaza de la Cultura -sede tradicional- se encuentra cerrada por obras de reconstrucción. Se espera que al evento acudan sobre 700,000 personas.

En entrevista, Carlos Ruiz Cortés, director del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), expresó que más de 60 escritores y embajadores de la cultura puertorriqueña han sido invitados a participar del evento. Algunas figuras de renombre que estarán representado la isla son: las doctoras Luce López-Baralt y Mercedes López-Baralt, la escritora Mayra Santos Febres, el escritor Cezanne Cardona, la periodista Sandra Rodríguez Cotto y el maestro Antonio Martorell, entre otras figuras de nuestro quehacer cultural boricua.

Se espera que el Festival sirva para afianzar relaciones literarias entre ambos países, así como para estimular la exposición de la literatura puertorriqueña. Más de 600 libros de la editorial del ICP, de la Universidad de Puerto Rico y de 20 editoriales independientes del país serán expuestos en la Ciudad Colonial, así como varias exhibiciones de cine, música y arte.

Aparte del ensanchar el vínculo literario entre ambas islas caribeñas, se espera que la Feria represente también una oportunidad para fomentar la lectura, el turismo en Puerto Rico y nuevas oportunidades de desarrollo cultural y económico.

 

¡Allá nos veremos!

Yayoi Kusama es una artista plástica, cineasta y escritora japonesa, nacida en 1929 y considerada una de las figuras más reconocidas del movimiento vanguardista, la cultura popular, el minimalismo y el arte feminista. A sus 90 años, la artista continúa gozando de gran fama tanto en el ámbito local como internacional, aunque se considera que su época estelar fueron las décadas de 1960 y 1970.

Un reciente documental que recoge la vida y obra de Kusama también lleva de nombre el mismo tema de sus cuartos de infinidad: Infinity, es un intento porque el público se adentre en el mundo de la artista, que desde siempre ha sido marcado por la enfermedad mental, el trastorno obsesivo, el patriarcado, el feminismo y la lucha personal.

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Relevancia de su obra

La obra de Yayoi Kusama es vanguardista y refleja una expresión psicológica obsesionada con la examinación de la infinidad y el universo. La idea detrás de sus Infinity Rooms, por ejemplo, es lograr una experiencia participativa de repetición exponencial en la que el observador se adentra en el mundo de Kusama. Se trata de espacios decorados con espejos en cada pared, luces y esculturas blandas en formas fálicas y antropomorfas, que reflejan la propia inquietud psicosomática de la artista. Kusama es el resultado de su experiencia, de su tiempo y de su condición mental.

Similar a otras mujeres de su época que han sido identificadas con el movimiento artístico surrealista y el expresionismo abstracto, Kusama ha producido una obra multifacética, en la que el concepto de la auto-imagen es central. Mientras que sus pares masculinos desarrollaron piezas en las que la imagen fetiche de la mujer es el eje, artistas femeninas como Yayoi Kusama, Frida Kahlo, Claude Cahun, Dorothea Tanning, Leonora Carrington, entre otras, exploraron adentrarse en sus propios mundos subjetivos y desafiar nociones tradicionales sobre lo que representa la femineidad, el género, los estereotipos del cuerpo y la subjetividad femenina. Estas mujeres artistas parten de su propia experiencia para encontrar un vínculo universal con otras mujeres que comparten también su realidad. El caso de Yayoi Kusama es particularmente singular, ya que aparte del patriarcado al que se enfrentó al adentrarse en el mundo del arte, la enfermedad mental que la abate desde los 10 años hasta el presente, parece no haber sido tanto un obstáculo, sino una sanación de sus males.

Niñez y enfermedad mental

Kusama nació en Matsumoto, una localidad al noroeste de Tokio, y fue la hija de una familia adinerada. Su padre era propietario de fincas agrícolas y su madre, agobiada con su matrimonio, era fervientemente abusiva. Desde la temprana edad de diez años, Yayoi comenzó a padecer de severos traumas psicológicos que incluían alucinaciones tanto visuales como auditivas, paranoia y obsesiones. Decía que las flores le hablaban, los patrones en las telas cobraban vida y le amenazaban. Sus temores combinados con la realidad política de la Segunda Guerra Mundial que vivió la conectarían para siempre con el arte. Para aliviar sus propios tormentos, comenzó a pintar dibujos plagados de lunares en acuarela, pasteles y pintura de aceite. Visitó psiquiatras que le recomendaban continuar desarrollando sus habilidades artísticas en forma de terapia. Produjo obras en un tiempo récord y además de servirle de despojo, comenzó a exhibirlas públicamente, intentando posicionarse en el mundo profesional del arte plástico.

Enfrentarse de nuevo al patriarcado

Sin embargo, en Japón, Kusama no tuvo éxito en sus inicios. Incluso se dice que nadie siquiera asistió a su primera exhibición. A partir de ese momento, la artista entendió que debía emigrar de Japón a América para probar su suerte en el mundo del arte. A partir de 1957, Nueva York se convertiría en su propio hogar durante los próximos años, aunque pronto se habría dado cuenta que dejaría un problema atrás para toparse con muchos otros. El mundo del arte norteamericano estaba definido y liderado por una fuerte naturaleza patriarcal.

En Nueva York, la artista entró en contacto con figuras de la talla de Andy Warhol y Donald Judd. Vivió en primera persona la explosión del arte popular y la desbordante creatividad de los años 60 y 70, que influyen poderosamente en sus instalaciones plagadas de luz, espejos, color, lunares y curvas. Es también el momento de sus famosas “esculturas blandas”, montajes realizados con telas y acolchados que desvelan un profundo temor (revelado por la artista) a la sexualidad y la penetración.

El documental revela cómo el escultor norteamericano Claes Oldenburg y Andy Warhol, exhibieron sus obras junto a Kusama y obtuvieron fama y reconocimiento, gran parte gracias a haberse inspirado y hasta copiado el estilo de la japonesa. Posiblemente como resultado de la frustración y el rechazo que sentía la artista, la enfermedad mental nunca la abandonó e incluso empeoró durante su estancia en Estados Unidos. En su autobiografía Infinity Net (2003), expresó:

“Lucho contra el dolor, la ansiedad y el temor cada día y el único método que he encontrado que alivia mi enfermedad, es continuar creando arte”.

Kusama admitió poco después a la productora del documental, que, como resultado del plagio simulado de su obra, habría intentado suicidarse. Esto combinado con una crisis económica que se agudizó al no obtener apoyo financiero por su obra ni el documental, llevaría a Kusama a aumentar la dosis de su medicación para controlar su ansiedad y a sufrir de constantes ataques de pánico y ansiedad.

Sexualidad y justicia social: temas recurrentes de su obra

En 1966, Kusama exhibió su obra en la Bienal de Venecia, un evento que ayudó a posicionarla frente a otras figuras clave de la cultura popular. Su exposición titulada Tu narcicismo a la venta, recogía espejos circulares e invitaba a los espectadores a ser parte de su realidad por medio de una experiencia sensorial única. Su visión de democratizar la experiencia artística parece cobrar hoy más relevancia que nunca, si se piensa por ejemplo en las redes sociales y el comentario social.

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En 1968, la artista comienza a revelar un tono de política y justicia social en su obra. Según Gamble (2018), interpretó el primer matrimonio homosexual en la Iglesia de Auto-Erradicación en la Calle Walker en Manhattan. Más tarde la artista obtuvo mayor reconocimiento con sus piezas e interpretaciones de desnudos que le llevaron al estrellato, aunque no eran económicamente viables. Como una proyección de su propia vida, Kusama estuvo siempre obsesionada y horrorizada por los penes y la penetración y, partir de la década de 1960, su obra se torna más sexualmente cargada. En una entrevista, expresó: “Las obsesiones, las obsesiones por los falos y las obsesiones por temor son los temas centrales de mi arte”.

En el 1968, produjo un filme titulado “Kusama’s Self Obliteration”, obra que ganó un premio en la Cuarta Competición Internacional de Cine Experimental en Bélgica y luego otro galardón en el Ann Harbor Film Festival, en el estado de Michigan. La década del ochenta la dedicó casi en su totalidad a desarrollar su obra literaria y publicó varias antologías y novelas, mientras continuó exponiendo sus cuadros y exhibiciones en Francia, Portugal, Dinamarca, Inglaterra, Japón y Estados Unidos.

Asimismo, su obra en forma de performances, se exhibió en lugares muy concurridos de Nueva York como Central Park y el puente de Brooklyn y reveló un fuerte espíritu político en contra de la Guerra de Vietnam y otros temas de política pública. Una vez más, a pesar de no hacer nada muy diferente a sus pares hombres, Kusama enfrentó una ola crítica, que terminaría siendo la razón de su retorno a Japón, el mayor debilitamiento de su salud mental y su admisión voluntaria a un hospital psiquiátrico, donde reside desde 1977.

En 2014, Yayoi Kusama fue considerada la artista más popular del mundo por Art Newspaper y en el 2016, recibió otra distinción del Orden de Cultura de Japón. En el 2017, un museo que lleva su nombre y recoge su obra, abrió sus puertas en Tokio. A pesar de vivir en un hospital psiquiátrico desde hace más de 40 años, Kusama aun produce obras que reflejan sus pesadillas y alucinaciones que la mantienen viviendo entre el paraíso y el infierno. Si no pinta y crea, la japonesa ha admitido en entrevistas, que padece de sentimientos suicidas y ataques de pánico que no es capaz de soportar.

Su vida y obra ha demostrado que a pesar de dichas aflicciones emocionales y la predominancia del mundo masculino en el arte de las décadas de 1960 y 1970, Kusama fue capaz de posicionarse como una estrella vanguardista de la cultura popular norteamericana, junto a figuras del momento, como Andy Warhol y Donald Judd. Tradujo su propio temor por la sexualidad en una vibrante obra surreal y de este modo, también apaciguó sus propios demonios. La cargada era que vivió durante su tiempo en Estados Unidos permitió que abordara también temas sexuales, políticos y de activismo social en oposición a la Guerra de Vietnam, por ejemplo. El autorretrato es otro de los temas más consistentes de su obra y por ello, utiliza su propia figura por medio de la fotografía, el arte plástico y el cine para explorar también conceptos asociados al feminismo, la desigualdad de género, el arte pop y la posición de la mujer en la sociedad. Hoy día Kusama se considera una artista de gran renombre, muy respetada en todo el mundo y quien, a pesar de su avanzada edad, continúa sorprendiendo al público con una obra más atractiva y relevante que nunca.